“Chabelo” fue una persona que con su entusiasmo y positivismo alegró la vida de muchos, demostrando que sin importar la edad todos pueden divertirse.
Por Hitai Lerma M.
Xavier López Rodríguez, actor y presentador mexicoestadounidense, que nació el 17 de febrero de 1935 en Chicago Illinois, conocido como «Chabelo» desde el 26 de noviembre de 1968 gracias a su programa «En Familia con Chabelo», transmitido los domingos en los horarios de 7 a.m. a 10 a.m.; dicho programa tuvo fin el 20 de diciembre del 2015 después de 48 años al aire.
Chabelo es ahora un emblema de la televisión latinoamericana, todo gracias a su trayectoria y su forma de caracterización, un ejemplo claro de esto, fue su programa donde mezclaba juegos, concursos, canciones y pura diversión para niños y adolescentes; en este programa Chabelo adaptó su personaje de niño y se refería a su audiencia como «Cuates» con el fin de hacerles sentir más parte del programa. Gracias a su personaje, Chabelo pudo grabar algunos discos de música infantil que le ayudaron a que su carrera fuera más extensa.
Chabelo aparte de actor y presentador es conocido por ser un comediante que invento la famosa palabra “Catafixia”, la cual utilizaba en su programa, dándole el significado de cambiar un objeto por otro, sin que tenga importancia el valor de cada uno de ellos; tanto fue el impacto que esta palabra causó, que decidieron agregarla al Diccionario de Mexicanismos de la Academia de la Lengua, además de la RAE. “Chabelo” fue una persona que con su entusiasmo y positivismo alegró la vida de muchos, demostrando que sin importar la edad todos pueden divertirse. Lamentablemente, falleció el 25 de marzo del 2023 a los 88 años, debido a problemas abdominales.
Xavier Rodríguez será recordado por esa humildad que le caracterizaba y por esa semillita de felicidad que sembró en la vida de los niños, adolescentes y adultos de Latinoamérica.
Siempre serás recordado Chabelo, niño en un inicio, niño para siempre.
Durante el 2021 y 2022, Bad Bunny hizo de todo, llegando al escenario de lucha en la WWE, hasta apareciendo en películas y series (Narcos: México & Bullet Train) pero no solo hizo eso, sino fue nombrado el artista más escuchado globalmente. México es uno de los países con más fans del artista. Sin embargo, parece ser que ese reinado del «Conejo Malo» por fin estará viendo su fin, puesto que otro género musical está desbancando al puertorriqueño.
El reggaetón ha sido desplazado por los corridos tumbados, siendo este el genero más escuchado en México. Ahora los artistas más escuchados de México son:
Peso Pluma
El nombre real de Peso Pluma es Hassan Kabande Laija, tiene 23 años y es originario de la ciudad de Guadalajara, Jalisco.
A su corta edad, el joven intérprete ha comenzado a ganar fama a lo largo y ancho de la República Mexicana gracias a su habilidad para tocar distintos instrumentos y su inconfundible tono de voz que cada vez más comienza a cautivar el oído de miles de fanáticos.
Y es que, desde que Peso Pluma iba en la secundaria, mostró un gran interés en la música aprendiendo a tocar primero la guitarra para posteriormente crear un grupo con su primo, Tito Laija.
Junior H
Antonio Herrera Pérez nació el 23 de abril de 2001, en Cerano (Guanajuato), donde vivió su niñez hasta la edad de 15 años cuando junto con su familia se fue al estado de Utah, Estados Unidos. Mientras estudiaba en la preparatoria, trabajó de cocinero en Wendy’s, pero la música siempre estuvo presente en su vida. Aprendió a tocar distintos instrumentos, entre ellos el acordeón y la guitarra viendo videos en internet. Aunque después se inclinó más hacia las guitarras. Cuenta que, en sus ratos libres, componía y grababa canciones en privado y por pena a que se burlaran lo mantuvo en secreto, y un día por hobbie, decidió subir varías de sus canciones en el YouTube bajo el nombre de Junior H, sin querer saber nada de sus canciones. Alejado de las redes por un mes sin saber nada de sus canciones subidas, un día por curiosidad, mientras trabajaba, se metió a revisar sus canciones en el YouTube y al ver que su sencillo «No Eh Cambiado» tenía más de 2 millones de visualizaciones y varios comentarios de apoyo, hizo que se enfocara más en este proyecto musical independiente.
Nathanel Cano
Natanael Rubén Cano Monge es un rapero y cantautor del género regional mexicano. Es el creador del concepto corridos tumbados, fusionando géneros de música regional mexicana tales como el corrido y sierreño con rap.
¿Qué son los corridos tumbados?
La “revolución” que ha desembocado en los corridos tumbados, una reinterpretación del género que fusiona la música urbana estadounidense y la cultura del corrido del norte de México, con estilos como la banda o el sierreño. Las letras, al igual que en muchos temas de trap o rap, suelen aludir al consumo de drogas, al sexo, al lujo y a la vida en la calles. Sus dos grandes exponentes, Junior H (2000, Guanajuato) y Natanael Cano (2001, Hermosillo) no alcanzan los 25 años y entre ambos suman más de 20 millones de oyentes mensuales en Spotify.
Concretamente, el término corridos tumbados proviene del disco homónimo que Natanael Cano lanzó en 2019 con el sello chicano Rancho Humilde, mismo año en el que Bad Bunny contactó al artista sonorense, aún desconocido ante el público internacional, para colaborar en un remix de la canción Soy Un Diablo.
Coca-Cola lanzó una nueva línea de productos edición limitada, Coca-Cola creations, esta línea de productos salió casi más de un año y han salido 6 en total.
Por Daniela Mondragón
El 27 de enero Coca-Cola lanzó un nuevo sabor limitado en colaboración con la exitosa cantante Rosalía. La bebida se llama Coca-Cola Move y es una edición especial inspirada en el poder de transformación que la música tiene en nuestras vidas y en la última canción de Rosalía, Lie Like You Love Me. El video forma parte de la campaña, y Rosalía estuvo involucrada en todo el proceso de creación así como en el diseño de la botella.
Movement es el primer lanzamiento de 2023 y el cuarto en España desde la creación hace un año de la plataforma de innovación Coca-Cola Creations tras los sabores Coca-Cola Intergalactic, Coca-Cola Marshmello y Coca-Cola Dreamworld. La colaboración entre Rosalía y Coca-Cola incluye una subasta en línea de artículos firmados por la cantante, como su casco de Motomami, el traje que utilizó durante su última gira y posters firmados. Todas las ganancias de la subasta se destinarán a la Fundación Antonio Gala, una organización sin fines de lucro con sede en España que otorga becas a jóvenes creadores.
El hashtag #TikTokMeHizoComprarlo ha sido uno de los mejores recursos de pequeñas y grandes empresas para darse a conocer en el público de la plataforma.
Gracias al algoritmo que facilita que una publicación se haga viral, han llevado a TikTok a la vanguardia de las tendencias en las redes sociales. TikTok ha creado las condiciones perfectas para que florezcan los diferentes tipos de influencers, con reseñas y recomendaciones de productos, que han afectado incluso a la forma en que las grandes empresas de cosméticos como Clinique hacen marketing.
De acuerdo con un estudio de IPSOS, un 43% de sus usuarios han conocido un producto dentro de la app, que en muchas ocasiones se ha convertido en una compra. En números, TikTok destaca que en 2022 el hashtag #TikTokMeHizoComprarlo obtuvo más de 879 millones de visualizaciones en México.
«Ya no se trata de vender o entretener, sino de vender a través del entretenimiento. Con los TikTok Ad Awards queremos celebrar y reconocer las campañas publicitarias que se han creado pensando en este nuevo momento, así como difundir buenas prácticas y referencias para las empresas que aún no se han acercado a la plataforma, para que conozcan las oportunidades de anunciarse en TikTok», concluyó Efraín Mendicuti, director de Global Business Solutions en TikTok México.
Tuve el agrado de entrevistar a un gran amigo y excelente músico, Axel Ruiz, vocalista de la banda de rock Strike That Hell, él nos cuenta cómo ha sido su experiencia en estos años que lleva en la industria musical.
Por Eliana Díaz
¿Qué fue lo que te motivó para formar una banda?
-Yo siempre había querido estar en una banda, siempre había tenido este sueño de poder cantar frente a miles de personas y se apasionaran conmigo, pero más que eso, lo que me llevó a unirme a la banda fue la oportunidad de poder transmitir algo más, ayudar, sanar, energizar, empatizar con las personas y mi música, dejar una huella.
¿Quién ha sido tu mayor inspiración en la industria de la música?
-Tengo muchas inspiraciones musicales, pero más que artistas o bandas, han sido las personas a mi alrededor, mi familia, mis amigos, creo que todos han formado una gran parte de mí, pero si hablamos musicalmente, creo que sería el cantante de una de mis bandas favoritas «Bring Me The Horizon» (BMTH) Oliver Sykes.
¿Cuál ha sido tu experiencia favorita con la banda?
-Creo que han sido demasiadas experiencias geniales y divertidas, probablemente serían las primeras tocadas a las que fuimos o los primeros toquines que armamos, hay tantas experiencias increíbles juntos.
¿De dónde surge el nombre de Strike That Hell?
-Strike That Hell (STH) surge de una idea en conjunto, el nombre literal significa «Golpea ese Infierno» lo que es más una metáfora a que todas las personas tenemos problemas internos, tenemos un infierno con el cual estamos luchando constantemente para ser mejores, STH se refiere a que cuando te sientas abrumado por ese infierno interno siempre habrá manera de salir y volver a enfrentarlo con esa fuerza que transmitimos.
¿Desde hace cuánto tiempo están juntos?
-La banda se Inició en 2020 aproximadamente bajo el nombre de «Paradigma», yo llegué en 2021, justo estábamos por sacar «Blood Runs» nuestro primer sencillo fue cuando se le dio el nombre al proyecto como STH.
¿Qué consejo les darían a los músicos que van empezando?
-Sería nuca rendirse, suena super cliché, pero es que después toma tanto sentido que lo usas muchas de las veces, sería el que nunca dejen de ser creativos, y busquen más y más, conocer nuevos géneros y nunca cerrarse a nada, siempre luchar por sus sueños e ideales y nunca dejar que se apague esa luz dentro de ellos.
¿Qué aprendizaje has tenido en estos años que se han presentado en los escenarios?
-Sin duda alguna han habido muchas cosas que hemos aprendido a lo largo de los años pero creo que la más importante sería controlar el miedo ante todo, nunca dejarse sorprender, el miedo es inevitable, es normal, otra cosa es dejarse llevar por él. «Siempre haz lo que más te apasiona y lleva eso contigo al escenario, olvida lo que la gente pueda pensar, disfruta y vive el momento, esta podría ser tu última función».
Agradecemos de todo corazón a Strike That Hell por concedernos esta gran entrevista, les dejamos sus redes sociales para que los vayan a seguir y escuchen su música por que son increíbles.
“The Whale” selecciona los factores que de alguna manera han definido la carrera de Darren Aronofsky: autodestrucción, trauma humano, obsesión por la Biblia, estrés, el regreso de un gran actor y una dirección de sexo segura.
Adaptada de la obra teatral de Samuel D. Hunter, «The Whale», persigue a Charlie (Brendan Fraser) durante cinco días. Padece una enfermedad llamada obesidad que se desarrolla gradualmente tras la muerte de su novio Alan. Nunca sale de su apartamento de Idaho, trabaja como profesor virtual de inglés y su única conexión con el mundo exterior es a través de su amiga Liz (Hong Chau). No solo le llevó bocadillos, si no que comparte muchas cosas con él. Esta es la historia de un padre optimista inundado por culpas que intenta abrir sus heridas para sanarlas. Antes de morir, quiere demostrar que su vida tuvo valía y hacer algo bueno por su malvada hija, quien solo accede a visitarlo a cambio de $120 mil dólares.
Aronofsky entrelaza temas como el pecado, la obesidad, la homosexualidad, la redención, la espiritualidad, la salvación, la religión, la compasión y el abandono de los padres. No todos son fuertes, pero la forma en que el director usa una pequeña cantidad de personajes y un escenario único para integrar todos estos temas es fascinante.
Más allá de la voluminosidad de Charlie, la película espera encontrar su bondad y compasión. Aronofsky le dice a Fraser que devore pollo frito, pizza y sándwiches como si acabara de salir de una película de terror.
En el afán por señalar cómo la sociedad suele ser cruel hacia la obesidad, la mirada de Aronofsky se siente irresponsable porque reduce una compleja afección a un espectáculo grotesco y a una cuestión puramente moral y emocional que sugiere que todas las experiencias con la obesidad parten de un mismo punto (depresión, en el caso de Charlie), cuando, por supuesto, pueden existir muchos elementos involucrados.
«The Whale» tiene éxito porque incluso en estos momentos humillantes, la actuación de Brendan Fraser está llena de emoción. A primera vista, podría parecer otro espectáculo de Hollywood respaldado por pasta de maquillaje y prótesis, pero Fraser rompe todas esas barreras estéticas para ofrecer un trabajo convincente e inspirador. Los actores con movimiento limitado transmiten con éxito calidez, compasión, tristeza y dolor a través de sus ojos y expresiones faciales. Fraser ha sido sincero sobre sus problemas de trauma y aumento de peso, por lo que no sorprende que su empatía y respeto por Charlie todavía se sientan genuinos.
Los temas que presenta, con el apoyo muy sólido del elenco, hicieron de “The Whale” una experiencia convincente del maravilloso Brendan Fraser el cual después de tantos años regresa con este filme al estrellato y se postula para ganar premios importantes en colectivo e individuales.
Hoy hablamos acerca de la relación que tiene el cine con la gran industria de la moda, y descubriremos cómo esta influye en nosotros como seres individuales y en nuestra sociedad.
Los últimos días de febrero nos dicen a gritos EDC, este año 2023 no sigue sorprendiendo como todos los años, más de 30 dj diarios formaron parte de este gran festival, ya no sabía en qué escenario estar.
El festival se realizó donde siempre, en el Autódromo Hermanos Rodríguez , fueron 3 días 24,25 y 26 de febrero, el festival inició a las 2:00 pm y terminó 2:00 am, este año tuvimos 9 escenarios en función.
Este año EDC decidió bajar la práctica de pirotecnia e implementar drones para crear los efectos especiales, todos los escenarios sacaban llamas, más cuando era un artista reconocido, tuvimos algunos artistas de sorpresa como “Peso Pluma” subió cuando estaba con “Marshmello”, lo que a varios les pereció bien y a otros no les encantó la idea porque es un festival de electrónica.
Aparte de tener la mayoría de los escenarios con música electrónica, estaba el MIXX STAGE que era de remix entre reggaeton y electrónica, no estuvo muy lleno como los demás, pero por si querías sacar lo pasos prohibidos en la pista, ya sabían a qué escenario asistir.
Estuve presente en los tres días, fue una de mis mejores experiencias, tuve la oportunidad de ver cómo “The Wookies” se quitaban la máscara en el escenario y estar en el escenario principal observando a “Galatis”, déjenme decirles que es la primera vez que está en CDMX. De invitada tuvieron a “Icona Pop” son su total complemento, a muchos nos tomó de sorpresa, todos los escenarios te daban una gran sorpresa, aparte te querías quedar más tiempo por las escenografías y juego de luces que tenían, claro, sus bailarinas daban un excelente show y te generaban esa sensación de euforia.
En cuestión de alimentos y bebidas en lo personal se me hizo caro, pero bueno ¿qué esperábamos de un concierto o festival?, las bebidas tenían un costo de 130 y 260 pesos y en alimentos, lo más barato eran las pizzas que estaban en 100 pesos. Variaba lo que quisieras comer, lo que me sorprendió es que había esquites a 55 pesos, estaban pasables, y al menos, había estaciones para poder tomar agua natural.
Por si te cansabas, había una zona con hamacas y puf (cojines), claro, mucha gente terminaba acostada en el suelo ja, ja, ja.
En cuestión de clima, de día es caluroso, estuvimos a 27grados, pero después de las 10:00pm si no estabas a dentro de la bolita de gente, morías de frío, la temperatura bajó a 9 grados.
El final del festival estuvo realmente épico, no tengo otras palabras para describirlo; es realmente una experiencia única, el ambiente es agradable, socializas bastante y son esos momentos que solo vives una vez, de mi parte volvería asistir y los invito a que vayan la próxima vez, se divertirán y la pasarán muy bien.
Cinépolis se encargará de proyectar el 04 de marzo el evento especial del Demon Slayer World Tour.
FOTOGRAFÍA POR: Sarahy Samto
Por Irving Sebastián
¿Qué es el Demon Slayer: World Tour?
Se trata de la primera gira mundial de la franquicia para la conmemoración del lanzamiento global de la tercera temporada del anime. Fue creada para unir a los miles de fans con la proyección de Demon Slayer: Kimetsu no Yaiba -To the Swordsmith Village- con un evento especial que solo será proyectada en ciudades como:
Tokio, Los Ángeles, París, Berlin, Seúl, Taipéi y finalmente, Ciudad de Mèxico.
Este es el primer evento de esta categoría que se llevará a cabo en Latinoamérica.
¿Qué se puede esperar de este evento en México?
Además de que los fans disfrutarán de la proyección del primer episodio de la tercera temporada, también tendrán un corte especial que combina los dos últimos episodios de la temporada anterior. El primer episodio de la tercera temporada, tendrá una duración de una hora. Este material ha sido remasterizado en 4K y la música se ha remezclado para una experiencia que se merece ser vista en la pantalla grande.
La gira mundial de Demon Slayer tendrá su gran estreno en la Ciudad de México el sábado 4 de marzo del 2023 mientras la preventa iniciará desde el viernes 3 de febrero en Cinépolis.
Freddie Mercury le dio mucho a la banda Queen; partiendo desde aspectos musicales, como su impecable voz y su gracia natural para tocar el piano, hasta aquello que no se pueden medir ni palpar, una mística relacionada con su mítica puesta en escena, su carisma y carácter dignos de una estrella, o un concepto y una identidad espléndidos que hicieron del grupo uno de los más icónicos en la historia del rock.
Entrando, precisamente, en la identidad de Queen, es donde encontramos detalles que pueden maravillar a aquel que los escuche desde un principio. Comenzando por el nombre, es estético, sencillo pero impactante, universal e inmediato, una palabra glamurosa que además tenía un enorme potencial visualmente. A pesar de las diversas connotaciones que tiene o pudo llegar a tener, y la carga que muchos veían en ellas, es un término tan llamativo como un conjunto conformado por un astrónomo (Brian May), un ingeniero electricista (John Deacon), un científico -y previamente estudiante de odontología- (Roger Taylor) y un estudiante de artes gráficas (Freddie Mercury), y tan único como su sonido.
Mercury aprovechó su formación en el diseño en beneficio de la banda, creando un logo que representaba perfectamente su esencia y filosofía. En su primera versión, la de 1973, pudimos ver un logotipo con sus elementos principales y unas líneas bien pulidas, sin embargo, se notaba falto de color y algunos detalles que lo hicieran más especial.
Dos años después, llegaría lo que conocemos como la versión definitiva del logo, con una edición elegante e imponente. Se compone de los símbolos zodiacales de cada miembro del grupo (imponentes leones para Leo, hadas fantasiosas para Virgo y un desafiante cangrejo para Cáncer); de un ave fénix, una figura de vitalidad, poder y pasión; y una letra “Q” acompañada de una corona, como los componentes característicos de la banda.
Todas estas piezas conforman un símbolo legendario, creado por un músico con un talento generacional, cuya voz permanece inmortalizada en todos aquellos que saben valorarla.
ESLAND: Los premios de streaming para la comunidad hispanohablante.
Por Irving Herández
Estos premios celebran el talento creativo de los mejores creadores, creadoras y las comunidades que los han acompañado en su viaje de streaming. Latinoamérica, España y Andorra unidas son los países que se juntan para poder revivir y recordar los mejores momentos del año de streaming.
Este año se llevó a cabo el evento en el Auditorio Nacional de la Ciudad de México el 29 de enero en donde fueron invitados varios streamers populares del servicio de streaming, Twitch, tales fueron como «TheGrefg», el talentoso «Ibai Llanos», la reina del stream «AriGamePlays», entre otros más. Los ESLAND son un reconocimiento para los que buscan un lugar en el mundo del entretenimiento en directo a través de Twitch, esta plataforma a subido como unas de las plataformas con más viewers, donde millones de personas se juntan a diario vía internet para chatear, interactuar y para la creación de su propio contenido.
Las categorías para ganar más destacadas fueron: Clip del Año, Fail del Año, Jugador de Esports del Año, Mejor Cobertura Informativa, Mejor Talkshow del Año, Evento del Año, Mejor Serie de Contenido, y Stream del Año. Se introdujo la nueva categoría llamada “Mejor Cobertura Informativa”, categoría que hablan sobre las noticias de la actualidad o de temas de investigación. Los ganadores más destacados de los ESLANDS son los siguientes:
Clip del año: La haka – Gerard Romero
Fail del año: Ahí va mi burst – Manute
Mejor Jugador Esport del año: Jelty
Mejor Cobertura Informativa: Gerard Romero
Mejor Talkshow del año: The Wild Project
Mejor Evento del Año: La velada del año 2
Mejor Serie de Contenido: El DEDsafío 2
Mejor streamer del año: Ibai Llanos.
Podras ver todo el stream de los ESLAND en el siguiente link:
La semana de la moda fue inaugurada con el increíble desfile de Alta Costura Primavera-Verano 2023 Schiaparelli. Dicho desfile fue en el Petit Palais de Paris.
El surrealismo que siempre muestra Schiaparelli es algo que no se discute. La alta costura de Schiaparelli fue inspirada en la obra “La Divida Comedia”. Daniel Rosberry tomó como inspiración el infierno de Dante, haciendo referencia a la duda que se tiene como diseñador, cuando debe de hacer frente a un nuevo proceso creativo.
A través de redes sociales se hicieron virales un par de fotos que al parecer son las piezas centrales de inspiración. Dichas piezas fueron llevadas por tres de las modelos más reconocidas: Naomi Campbell lució un abrigo negro con cabeza de lobo. Irina Shayk, en un vestido negro con un escote armonioso, manga larga y con cabeza de león y Shalom Harlow, con un vestido increíble con una cabeza de tigre.
Claramente, las cabezas de animales no eran reales, fueron hechas de gomaespuma, resina, piel y pelo sintético, ya que actualmente la moda se comienza a preocupar por el medio ambiente y se tiene un respeto por los animales.
Es bien sabido que Elsa Schiiaparelli tenía una gran debilidad por pieles exóticas, pero es algo inaceptable en la sociedad actual. Ningún animal sufrió daño alguno, pero esto puede ser problemático ya que pudiera enviar el mensaje equivocado.
Por otro lado, Doja Cat sorprendió a todos con su llamativo atuendo totalmente rojo de pies a cabeza, el cual llevo un total de cinco horas, ya que se cubrió con 30.000 cristales puestos a mano.
La nueva serie de HBO Max presenta propaganda en forma de los estragos del cordyceps en la calle Amsterdam en CDMX
FOTOGRAFÍA POR: Sarahy Samto
Por Irving Sebastian Hernandez
El día 15 de enero del 2023 se estrenó mundialmente la nueva serie de HBO Max, The Last Of Us. La serie es una adaptación del videojuego del 2013 que en su momento fue sensación global para la consola PlayStation 3.
HBO lanzó una campaña publicitaria para ciudades seleccionadas alrededor del mundo para promocionar el segundo capítulo de la serie. De estas ciudades, la ciudad de México es una de las elegidas donde se encuentra “infectada” La calle Ámsterdam de la colonia Hipódromo que ha sido tematizada con los hongos y los deshechos que aparecen en el videojuego y en la serie.
Estos hongos son la causa principal de los eventos que se desarrolla en la historia de TLOUS. Este fungí infecta a la población y crea un híbrido de humano, algo parecido a un zombi y es así como inicia la historia de TLOUS. La promoción en la CDMX enseña estragos del hongo en las paredes y en las calles, vehículos militares abandonados y destrozados.
Hace presencia también el grafiti del grupo milita, “las luciérnagas” con su famoso lema “Cuando estés perdido en la obscuridad, busca la luz”. Finalmente hay un “infectado” incrustado en la pared. Puedes asistir al escenario especial para poder tomar fotografías para después publicarlas en tus redes sociales.
Esta promoción fue creada por el equipo creativo de HBO México y aún no se anuncia la fecha de cuándo se quitará la demostración. Varios usuarios piensan que esta promoción solo es una “probadita” de lo que el equipo creativo puede crear para promocionar la serie en México y Latinoamérica.
Nevermind, un álbum que rompió los estigmas del rock en la década de 1990, con un sonido grunge rebelde, poderoso y polémico, como su portada misma.
Por Emiliano Güemes
Este disco tomó por sorpresa a toda una generación, que no esperaba el maravilloso caos que trajo el álbum; con una simpleza maravillosa y una esencia juvenil que representaba de forma pegadiza el sentimiento de opresión de la época.
En este texto, nos centraremos en la portada, una fotografía mítica que ha sido catalogada como una de las mejores en la historia entera del rock. “Es un ejercicio lleno de poesía y cinismo”, exclamaba el diseñador Storm Thorgerson, quien llegó a trabajar con las bandas Led Zeppelin, Yes y Pink Floyd.
Thorgerson no estaba para nada errado, el retrato de un bebé que persigue un billete atado a un anzuelo se ha convertido a través de las décadas en una fotografía icónica del género y reconocible para aquellos ajenos a él.
Es una imagen que encaja perfectamente con la temática del álbum, vemos claramente la esperanza del nacimiento, frustrada con la trampa del éxito, propiciada por un sistema que sólo espera a que “muerdas el anzuelo”.
A pesar de todo, este brillante diseño no estaba -en un principio- destinado al éxito, pues se gastó una cantidad insignificante de dinero, comparada con las elevadas ganancias que vendrían después; la familia Elder, a la que pertenecía el protagonista de la fotografía, sólo percibió un pago de 200 dólares por la sesión, y el fotógrafo, Kirk Weddle, cobró menos de 1.000 dólares, con los que tuvo que costear todo el proceso.
Ese bebé, a pesar del paso del tiempo, sigue persiguiendo al dinero, aunque ha dejado de hacerlo metafóricamente para comenzar su búsqueda en un plano legal, en el que demandó a la banda en el año 2021 proclamándose víctima de la pornografía infantil.
Como sea, volviendo a los noventa, Kurt Cobain había planificado un proyecto mucho más ambicioso, en el que se reflejara un parto bajo el agua; obviamente, eso no fue posible, y el limitado presupuesto de una banda desconocida en ese entonces sólo alcanzó para cinco minutos de fotografías en un centro acuático de Pasadena.
El resto es historia, se vendieron más de 30 millones de copias del disco y la fotografía se inmortalizó como un símbolo no sólo del grupo, sino de la industria musical.
Netflix reunió a los ‘Tres amigos’ para conversar sobre décadas de amistad, pero ¿sabías que Alfondo Cuarón y Alejandro G. Iñárritu impidieron que Guillermo del Toro filmara un montón de películas?
Sensacine Latam estuvo presente en la charla entre los ganadores del Oscar por Gravedad, Birdman (o la inesperada virtud de la ignorancia) y La forma del agua, respectivamente, espacio utilizado para reflexionar sobre el impacto que su obra y amistad ha tenido en el trabajo interno e individual de cada integrante de la trinidad del cine mexicano desde inicios del nuevo siglo.
Por supuesto la primera opción que podría llegar a la mente es inspiración. ¿Quién no se sentiría entusiasmado de tener como mejores amigos y consejeros a unos de los cineastas más cotizados y aclamados del mundo? Aunque no lo crean, la honestidad es la columna vertebral de su relación, en especial a la hora de sacar a tema películas que ni uno ni otro debería de hacer por el bien de su carrera.
“Lo importante también es el factor determinante para las que no hacemos», dijo el director deRoma y Y tu mamá también. Palabras que despertaron algunos recuerdos en la mente de Guillermo del Toro, quien se encuentran bajo los reflectores mundiales gracias a su reconocida película en stop motion, Pinocho. Una risa delatora lo hizo culpable.Sólo no reveló qué proyecto se quedó en el tintero por ¿malo?, ¿aburrido?, ¿no atractivo? Eso sí no lo contaron.
Los tres hemos detenido en algún momento alguna película que no teníamos que haber planeado, ¡y no la hicimos!
En el Academy Museum of Motion Pictures de Los Ángeles, California,también estuvieron presentes a Ted Sarandos, Co-CEO de Netflix, así como a grandes celebridades del cine mundial como Laura Dern, Harvey Keitel, Chloé Zhao, Rian Johnson, Michael Mann, Scott Cooper, Rodrigo Prieto, Simon Kinberg, Cleo Wade, Alanna Brown, Mary Parent, Ram Bergman y Janet Yang, varios colegas y admiradores de ‘Los tres amigos’ más famosos del celuloide.
Netflix podría perder la segunda temporada de ‘Merlina’ ante otra plataforma de streaming.
La exitosa serie, protagonizada por Jenna Ortega como Merlina Addams, aterrizó en Netflix en noviembre del año pasado. Se convirtió en un gran éxito para el gigante del streaming.
Merlina superó a Stranger Things en obtener la mayor cantidad de tiempo de visualización en una sola semana para una serie en inglés en Netflix, y acumuló más de 400 millones de horas en una semana.
Los fans han elogiado la escritura del programa y la actuación de Ortega como la adolescente taciturna, y muchos esperan con ansias lo que parece una segunda temporada inevitable.
Sin embargo, a pesar de su enorme éxito, Netflix aún no renueva Merlina para una segunda temporada. La popularidad del programa casi garantiza que habrá otra temporada, pero la pregunta es: ¿dónde se transmitirá?
Netflix deseará mantener Merlina en su plataforma, pero es posible que el transmisor no tenga otra opción debido a que la serie es producto de MGM (Metro-Goldwyn-Mayer).
Como informó Deadline el año pasado, Amazon y MGM cerraron una fusión de US$8,5 mil millones, lo cual significa que los derechos de Merlina puedan estar incluidos.
Esto significa que la segunda temporada podría estrenarse en el gigante de streaming de Amazon, Prime Video, en lugar de Netflix.
Por supuesto, no es algo seguro. Netflix puede llegar a un acuerdo con Amazon para seguir presentando la popular serie.
Los suscriptores de Netflix también pueden estar seguros de que Amazon declaró que no planea hacer que todo el contenido de MGM sea exclusivo de Prime Video, según Deadline.
The Independent se puso en contacto con un representante de Netflix en busca de comentarios.
A pesar de que no se ha anunciado la renovación, se informa que los productores de la serie ya están buscando lugares para filmar y consiguiendo escritores para la nueva temporada.
En cuanto a la cuestión de cómo podría ser una segunda temporada, Ortega, de 20 años, ha expresado sus deseos de que Merlina sea bisexual, al señalar que el personaje y su compañera de cuarto Enid (Emma Myers) serían una pareja en un mundo perfecto.
Muchos fans de la serie están de acuerdo, lo que significa que la segunda temporada podría profundizar un poco más en las relaciones románticas de Merlina.
La Profeco creó una Acción Colectiva en contra de Ticketmaster, luego de que miles de fans fueran víctimas de fraude por parte de la compañía.
Este 2022 miles de personas han asistido a conciertos y festivales en todo el país, pues artistas de talla mundial se presentaron a lo largo del año en algunos de los escenarios más grandes de México. Sin embargo, a pesar de que cientos de personas lograron obtener boletos para estos eventos, en diversas ocasiones Ticketmaster les ha negado la entrada a sus eventos debido a que sus boletos se encuentran “clonados”.
El caso más reciente de esta situación fue la presentación de Bad Bunny el 9 de diciembre en la CDMX. En su primera presentación del año en el Estadio Azteca, el reguetonero había vendido casi en su totalidad los boletos de entrada al recinto. Pero al momento de que los fans llegaron, Ticketmaster les negó la entrada, pues sus boletos estaban “clonados”. Esto ocasionó que durante el concierto, la locación se encontrará vacía y que los asistentes que se quedaron afuera intentarán burlar la seguridad del sitio.
Sin embargo, esta no es la primera ocasión que esto sucede. Anteriormente, los asistentes al concierto de Harry Styles acusaron a la compañía de fraude por situaciones similares con sus boletos. Sobre esto mismo, muchos han indicado que, incluso cuando adquirieron sus entradas con Ticketmaster, la compañía alegaba que eran falsos, que estaban clonados e incluso que ya habían sido utilizados anteriormente.
¿Qué está haciendo Profeco respecto a la situación?
Desde hace algún tiempo la Profeco decidió tomar cartas en contra de Ticketmaster, y los diversos abusos que ha cometido. Mediante su toma de acción busca apoyar a los compradores que fueron estafados para que puedan recibir un reembolso por su dinero. Y, para lograrlo, creó una Acción Colectiva en contra de la empresa.
La iniciativa tiene como fin apoyar a las personas que sufren una cancelación unilateral de la compra de sus boletos, o bien a aquellos que Ticketmaster les dijo que sus boletos habían sido “clonados”. Además, busca obtener la devolución por el monto pagado de aquellas personas que pasaron por esta situación.
Además de esto, en un comunicado reciente, respecto a la situación suscitada en el concierto de Bad Bunny, la Procuraduría anunció que:
“Profeco ha solicitado a Ticketmaster un informe en el que explique qué es lo que ha provocado esta situación con los boletos”
Además, hace un llamado a los consumidores a que presenten sus quejas para poder darles atención en los términos legales que corresponden. Y que, en caso de ser víctimas de falsificación por parte de la compañía, orientarlos para que acudan a las instancias que correspondan por tratarse de un delito.
¿Por qué hay tantos boletos clonados con Ticketmaster?
Ticketmaster no ha dado un comunicado oficial respecto a la cuantiosa cantidad de boletos clonados que se han reportado. Incluso los afectados no han recibido ninguna aclaración respecto a esta situación. Lo único que sé sabe al momento, es que, cada vez un mayor número de clientes de la compañía han sufrido por esta situación.
La clonación de boletos es un delito penal de “fraude”, y sería necesario iniciar una investigación que señale al culpable. Por el momento, se recomienda a aquellos que adquieran tickets con esta compañía que:
No publiquen el código de barras de acceso en redes sociales.
No compres con revendedores
Evita compartir varias veces tus boletos por correo electrónico
No imprimas tus entradas en cafés internet públicos o sitios similares
En medida de lo posible, adquiere los boletos con tu tarjeta personal
Anne Hathway regresa con la 3er película de la saga El Diario de la Princesa.
Por: Hitai Lerma
El Diario de la Princesa es una película cómica- dramática, la película está interpretada por Anne Hathaway quien interpreta a Mía Thermopolis quien descubrió que era heredera al trono de Genovia.
Esta película fue lanzada en el 2001 y narraba la vida ordinaria de la adolescente Mía que después tiene que asumir su papel como princesa en la primera película, y después como reina en la 2da película, además de que nos cuenta romance que comenzó por un secreto de que la siguiente reina debía estar casada para poder tomar el trono. Para muchas adolescentes que hasta ahora han seguido la trayectoria de Anne Hathaway, el que la actriz revelara que ya está en planes la 3ra película y ya comenzó sus grabaciones, además de ser doblemente confirmado por Julie Andrews, despierta la emoción de las jóvenes del 2001 que han esperado por muchos años que está película saliera.
Talvez para muchos esta película no es de gran importancia, pero para las y los fanáticos de El Diario de la Princesa es una noticia que aviva el corazón juvenil, demás que con los nuevos avances se espera que sea una película más adecuada a esta época, algo más de acuerdo a los gustos de las y los jóvenes de ahora.
Hace 50 años, David Bowie presentaba al mundo The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars, uno de los álbumes más trascendentes de la historia y el que muchos consideran su mejor trabajo
Ilustración: Portada de «The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars»
Por Emiliano Güemes
El 16 de junio de 1972, se estrenaba The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars, un mítico álbum conceptual que cuenta en sus once canciones la historia de Ziggy Stardust, un héroe que, junto a las arañas de Marte, viene a salvar al mundo de su -casi- inminente destrucción.
Lo primero a destacar en esta pieza es la perfecta construcción del personaje; David Bowie buscó crear un ícono disruptivo que le diera voz a un sector deprimido, y lo logró por medio de una caracterización espléndida, que lo hacía prácticamente una persona diferente.
En sus propias palabras, Bowie describe a Ziggy como “un mesías del Rock and Roll”, sin embargo, Ziggy Stardust nace en los setenta, influenciado por el color y las vibras de la música disco, además de la moda del teatro Kabuki, un formato tradicional de este arte en Japón que se puede identificar por su dramática puesta en escena, el uso del maquillaje como expresión artística y el lenguaje corporal extravagante. Estos elementos, acompañados del aspecto andrógino de Bowie, lograron retratar a la perfección una estrella de rock poco convencional, una que retaba a todos los estereotipos impuestos sobre el género, y sobre la sociedad en sí.
No era la primera vez que veíamos a David Bowie adoptar un personaje distinto a su propia persona, y, sin duda, no sería la última. Estuvimos ante el que podría ser el artista más camaleónico en la historia del rock, y es que, en su faceta anterior expuso ante el mundo al “Major Tom”, que ya exploraba conceptos de ciencia ficción, pero abordándolos desde una perspectiva totalmente distinta.
Con “Major Tom”, pudimos ver a un astronauta interesado en el espacio, en poder llegar a comprender su inmensidad y su vasta profundidad, y es curioso que, después de este proyecto que catapultó a Bowie a la fama, pasara radicalmente a Ziggy Stardust, un giro total e inesperado donde va del curioso astronauta que ansía conocimiento, al superior y portentoso alienígena que se convierte en nuestro salvador.
La narrativa del álbum es una trama emocionante, que bien podría ser propia de un drama futurista, es una catarsis musical que verdaderamente se siente como una avalancha de emociones durante todo el disco. Es un proyecto con una increíble energía callejera, que centra su visión en un solo elemento.
Ziggy Stardust, un alienígena de peculiar aspecto desciende a la Tierra para presentarse como el salvador de la catastrófica situación que acontece: los recursos se acaban y llevarán al planeta a su destrucción. Ziggy aparece tomando la forma de una estrella del rock, que, por medio de su música, busca hacer el cambio necesario en este contexto.
Este concepto distópico no es nuevo, como podemos ver; aunque ahora presenta un “boom” masivo y hemos podido verlo en todo tipo de elementos dentro de la cultura popular, se ha tratado desde hace décadas, en ambientes donde se recrea un futuro caótico, con sociedades que no distinguen entre la ficción y su cruda realidad.
Volviendo a la temática, es una clásica historia de ascenso y caída, y quien al inicio se nos presenta como una representación de la esperanza, poco a poco va cayendo, presa de las tentaciones de nuestro planeta, convirtiéndose en una víctima de su propia fama y los excesos que conlleva.
El álbum comienza con “Five Years”, una advertencia que, precisamente, nos comunica que nos quedan cinco años para actuar, una canción brillante, que va creciendo en intensidad y nos sirve como una entrada perfecta al mundo de Ziggy, quien, en primera persona, nos pone en contexto del lugar en el que se desarrollará la historia.
Pasamos a “Soul Love”, el puente entre la primera y la tercera canción, que nos habla de cómo Ziggy conoce las cualidades humanas, y siente intriga por experimentar el amor como nosotros lo hacemos. Continuamos con “Moonage Daydream”, donde Ziggy se convierte de lleno en la estrella del show, se entrega a su causa y lo hace por medio del Rock and Roll.
En “Starman”, el mayor hit del álbum, vemos la presentación del “salvador”, su historia expuesta por un narrador en tercera persona que nos habla de su llegada y su personalidad, y resumen en el coro la idea principal del proyecto.
En “It Ain´t Easy”, el quinto track del disco, comenzamos a ver dudas en nuestro protagonista, quien se ve reflexivo sobre el concepto de “ir hacia arriba” y lo que puede representar para él lo que está provocando. Esto es una clara analogía a la fama, en concreto, a una etapa donde nacen dificultades y el artista se pregunta si vale la pena lo que arriesga. Ziggy, finalmente, da a entender que apostará todo por su placer, comenzando así con lo que vemos como su caída.
“Lady Stardust” contiene una melodía impecable, y en ella se habla de las críticas que pueden rodear al músico, pero, mientras Ziggy esté bien, el resto no importa. Vemos una clara postura egoísta, que sigue en “Star”, donde se percibe que el personaje entiende que es un todo, es el único que puede hacer un cambio real, sin embargo, es una responsabilidad muy grande, especialmente ahora que sus aspiraciones apuntan a los lujos y el estatus.
“Hang on to Yourself” es ese punto donde las arañas de Marte, su banda, intentan advertirle a Ziggy sobre las consecuencias, pero él sólo piensa en divertirse, así que en “Ziggy Stardust”, la novena canción, rompe la relación con su banda, que le reprocha no pensar en ellos ni en el futuro.
En este punto, volvemos a ver la reflexión, que ahora toma la forma del ego que se apoderó del personaje, quien en “Suffrage City” la canción que da forma al álbum, se da cuenta que ha llevado todo demasiado lejos, Ziggy, en su capricho de no aceptar quejas de su entorno, se ha alejado de todos, y ahora permanece solo y sin cumplir su propósito.
En el cierre del álbum tenemos a “Rock and Roll Suicide”, la última pista que expone a un héroe rendido; el tiempo se agotó para él, y todo está perdido. Ese mismo tiempo, que esperaba impaciente su llegada, ahora lo condena a desaparecer, preso de la impotencia. Aquí vemos al Ziggy Stardust más humano, al que ha cometido todo tipo de errores a lo largo de este trayecto, pero que, en un intento de redención, manda un último mensaje de ayuda, dejando atrás el pasado y volviendo al objetivo que lo ha traído hasta aquí. La madurez que ahora adopta el personaje le permite hablar de forma transparente con las personas, en su lecho de muerte, habla de dejar de ser injustos con nosotros mismos, y transmite un mensaje de amor propio, que culmina con el sacrificio de nuestro héroe.
Finalmente, hay un final abierto, donde no sabemos si Ziggy, a pesar de entregarle su vida a la música, logra salvar a la Tierra.
Esta obra es, como todos los grandes proyectos, trascendente hasta hoy en día, más allá de la calidad musical, que es indudable, su trascendencia está en que trata temas y problemáticas sociales que podemos analizar, entender e identificar hoy en día.
Habla de temas tradicionalmente comprendidos como “tabú”, como son el sexo, los excesos, el amor, la vida y la muerte, además de presentar una sociedad podrida, tanto en sus valores como en su relación con el ambiente.
The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars nace en tiempos complicados, considero que era la época perfecta para un álbum de este calibre, ya que, en ese tiempo, veíamos un incremento en la popularidad de la temática espacial en diversas obras, estos conceptos estaban directamente relacionados a la relativamente reciente llegada del hombre a la Luna. Temas como “Space Oddity” del propio Bowie, o “Rocketman” de Elton John, tuvieron su éxito en este contexto histórico, donde la exploración y el hambre de conocimiento estaban en su punto más alto.
Otro tópico que se aborda es el fin del mundo, y hay que recordar que precisamente en ese tiempo el mundo atravesaba el conflicto bélico conocido como “La Guerra Fría”, que se sumaba al nacimiento de discusiones ambientales, mismas que provocaban el terror de una generación que temía morir por armas nucleares o la contaminación ambiental.
La gira del álbum fue, a su vez, un éxito. Fueron conciertos de presencia internacional, donde Bowie comenzaba a sonar cada vez más en países como Estados Unidos. Esta edición presencial del show presentaba una dinámica atrevida, espectacular, donde el cantante británico sorprendía a todos con su deslumbrante escenificación. La gira tuvo fin el 3 de julio de 1973, cuando David Bowie anunció, para sorpresa de todos que ese sería “su último concierto”. El público y los músicos se mantuvieron atónitos mientras el artista recitaba estas palabras, sin embargo, este era el adiós de Ziggy Stardust.
El guitarrista Mick Ronson, el baterista Michael Woodmansey y el bajista Trevor Bolder conformaron la banda, y ellos eran en sí “Las Arañas de Marte”. Ronson lidereaba a la agrupación, y le daba al álbum textura y amplitud, con melodías que comenzaban a presentar los primeros pasos del glam rock, además de punk e incluso metal. El guitarrista logró darles profundidad a las canciones, especialmente con sus épicos solos. Cabe destacar la participación de toda la banda, que supo tener versatilidad y capacidad de adaptarse a lo que cada canción necesitaba.
A opinión personal, queda decir que este es uno de mis álbumes favoritos; me parece increíble la coherencia con la que David Bowie es capaz de hilar todos los elementos para que formen un todo. Es una obra que no tiene ni un minuto de relleno, parece una recopilación de grandes éxitos, y tiene un storytelling brutal al que le podemos sacar miles de conclusiones. Es una genialidad, visto desde el aspecto técnico y musical, donde no se encasilla en un mismo género, y constantemente explora a través de distintos ritmos, tonos y tiempos; pero también entendiendo la expresión artística que representa, desde un ángulo de reinvención donde Bowie marca el camino para nuevos géneros y nuevas formas de hacer música.
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