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Archive for the ‘Academia’ Category

En cuestión de días, una canción de cumbia y una estética inspirada en el cine mexicano se convirtieron en una de las tendencias más virales de TikTok. Se trata del trend de ‘Ojitos mentirosos‘, en el que jóvenes maquillados como payasitos recorren calles y barrios populares mientras de fondo suena un tema de los noventa. 

Aunque a simple vista parece solo un juego visual, este fenómeno tiene un trasfondo más profundo: visibilizar entornos marginados, cuestionar la gentrificación y rescatar elementos culturales que combinan música, protesta social y referencias cinematográficas.

¿De dónde surge el trend ‘Ojitos mentirosos’ en TikTok?

La canción que da vida al trend es ‘Ojitos mentirosos‘, una cumbia peruana compuesta por Coré Cuestas Chacón y popularizada en México a principios de los noventa por el grupo Tropicalísimo Apache. 

La letra habla de un desamor marcado por la traición y el desencanto: unos ojos que parecen tiernos, pero que engañan al corazón.

Aunque fue lanzada en 1992, la canción recobró fuerza en redes sociales más de tres décadas después. Fragmentos como “Mienten, mienten tus ojitos / miran, miran tan bonitos / y mi corazón se hace pedacitos” se convirtieron en el telón de fondo de miles de videos virales en TikTok, Instagram y Facebook.

El contraste entre la letra de desamor y la estética sombría del trend resultó clave para su viralidad.

¿Por qué se pintan de payasitos en esta tendencia?

Más allá de la música, lo que llamó la atención fue la estética que acompañó al fenómeno. Los participantes se maquillan como payasitos, con rostros pintados en blanco, azul, rojo y negro. Luego graban videos con semblante serio, caminando por barrios populares, mercados o zonas con poca presencia de modernización.

Captura de pantalla de Instagram (Foto: #chicuarotes)

La referencia inmediata es la película Chicuarotes (2019), dirigida por Gael García Bernal. La cinta sigue la historia de Cagalera y Moloteco, dos adolescentes que intentan ganarse la vida como payasos en el transporte público, pero que terminan envueltos en una espiral de violencia y crimen. 

Ambientada en San Gregorio Atlapulco, Xochimilco, la película muestra de manera cruda un entorno marcado por la pobreza, la falta de oportunidades y la marginación.

Los jóvenes que participan en el trend parecen retomar esa misma estética para reflejar realidades similares: precariedad, frustración y, al mismo tiempo, resistencia cultural.

Una protesta digital contra la gentrificación

Aunque muchos usuarios comparten los videos por la estética llamativa, otros los han interpretado como un acto de protesta. Los escenarios elegidos no son casualidad: se trata de colonias populares o zonas donde la gentrificación aún no ha llegado. Al mostrarlos en TikTok, se visibiliza la vida cotidiana de comunidades que suelen permanecer fuera de los reflectores.

El maquillaje de payaso funciona como metáfora. Representa a personas que, a pesar de cargar con dificultades, muestran un rostro disfrazado de alegría. En el contexto digital, esta imagen adquiere un significado político: una crítica a las desigualdades sociales y a la manera en que las ciudades invisibilizan a ciertos sectores.

Para algunos, el trend rescata una identidad urbana que se resiste a ser borrada por la modernidad y el mercado inmobiliario. Para otros, sin embargo, puede convertirse en una romantización de la pobreza.

Captura de pantalla de Instagram (Foto: #chicuarotes)

¿Protesta o romantización de la pobreza? El debate en redes

El fenómeno no está exento de controversias. Críticos señalan que al estetizar la marginación, los videos pueden trivializar la precariedad que enfrentan miles de familias en México y América Latina. Convertir la pobreza en escenario de “likes” y visualizaciones, dicen, corre el riesgo de reforzar estigmas sociales.

Por el contrario, defensores de la tendencia sostienen que lo que se observa en redes es un acto de visibilización. Jóvenes de colonias populares se apropian de su entorno para narrarse a sí mismos con orgullo, dejando de ser espectadores pasivos para convertirse en protagonistas digitales. En este sentido, ‘Ojitos mentirosos‘ no romantiza la pobreza, sino que da dignidad a los barrios y los coloca en el centro de la conversación cultural.

El trend no tardó en cruzar fronteras. En países como Colombia, Perú y Argentina, usuarios también comenzaron a replicar la estética del payasito acompañado de la canción. En cada contexto, el fenómeno adoptó matices propios, pero mantuvo la esencia: mostrar la crudeza de ciertos espacios urbanos a través de un performance sobrio y melancólico.

El trend de ‘Ojitos mentirosos‘ va mucho más allá de un simple reto viral. Es una expresión cultural que combina música popular, cine y crítica social en un mismo espacio digital. Lo que comenzó como una canción de desamor en los noventa, reapareció en 2025 convertido en una metáfora de resistencia urbana.

Con sus payasitos serios y sus escenarios marginados, la tendencia refleja la tensión entre precariedad y dignidad, tristeza y creatividad, olvido y visibilidad. Al final, “mienten tus ojitos” no es solo un verso de cumbia, sino también un eco de la mirada de quienes, desde las periferias, reclaman su lugar en la cultura contemporánea.

FUENTE: https://www.excelsior.com.mx/

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Estos son 5 museos gratuitos que puedes visitar en CDMX

Si estás armando un plan cultural que sea amigable con tu bolsillo, la Ciudad de México ofrece recintos de primer nivel con entrada libre todos los días o la mayor parte de la semana. Seleccionamos cinco espacios con alto valor artístico, histórico y museográfico, ideales para quienes quieren aprovechar la capital sin gastar.

En AS México reunimos los cinco más importantes de la lista proporcionada, por relevancia, colecciones y experiencia de visita, y añadimos horarios, direcciones y consejos para que organices tu recorrido y puedas aprovechar junto a tu familia y amigos.

1) Museo Soumaya Plaza Carso

Uno de los museos más visitados del país por su colección de arte europeo y mexicano (escuelas italiana, flamenca, francesa, española, entre otras) y por su arquitectura icónica. Su acervo permite un paseo amplio: escultura, pintura, artes decorativas y una nutrida presencia de maestros clásicos. La entrada es gratuita y permanente, lo que lo convierte en parada obligada para locales y visitantes.

Dirección: Miguel de Cervantes Saavedra, colonia Granada, Miguel Hidalgo.

Horario: lunes a domingo, 10:30 a 18:30.

2) Museo Jumex

Frente al Soumaya encontrarás este referente de arte contemporáneo, con exposiciones temporales y permanentes que acercan al público a artistas nacionales e internacionales. Además de salas bien montadas, ofrece visitas guiadas y talleres, por lo que es una gran puerta de entrada al arte actual. La gratuidad elimina cualquier pretexto para asomarse a su programación.

Dirección: Miguel de Cervantes Saavedra 303, Colonia Granada, Miguel Hidalgo.

Horario: martes a viernes y domingo, 10:00 a 17:00; sábado, 10:00 a 19:00.

3) Museo del Estanquillo

Fundado para compartir la colección de Carlos Monsiváis (más de 20 mil piezas entre documentos, maquetas, fotografías, pintura y objeto popular), es un imprescindible del Centro Histórico. Sus exposiciones temporales suelen hilar historia, ciudad y cultura popular con criterio curatorial accesible y bien documentado. Ideal para dedicarle tiempo y subir a su terraza.

Dirección: Isabel la Católica 26, Colonia Centro, Cuauhtémoc.

Horario: miércoles a lunes, 10:00 a 18:00.

4) Museo Nacional de las Culturas del Mundo

En el corazón del Centro, este recinto ofrece una mirada comparada a civilizaciones y culturas a través de cerca de 14 mil objetos provenientes de distintos países. Es una visita formativa —arte, arqueología y objetos de uso— que ayuda a contextualizar tradiciones y símbolos fuera del ámbito mesoamericano. Perfecto para familias y estudiantes. Dirección: Moneda 13, Centro, Cuauhtémoc.Horario: martes a domingo, 10:00 a 18:00.

5) Museo Banco de México

Una experiencia distinta: historia del dinero, sistemas de intercambio y numismática en un edificio emblemático. Su sala más buscada es la bóveda del sótano; recuerda que el acceso requiere registro y reservación previa en el sitio oficial del museo. Las salas interactivas hacen la visita amena para todas las edades.

Dirección: 5 de Mayo 2, Colonia Centro, Cuauhtémoc.

Horario: martes a domingo, 11:00 a 17:00.

Mapa sugerido para armar tu ruta

Si quieres optimizar tiempos:

  • Bloque Centro Histórico: Estanquillo, Culturas del Mundo y Banco de México. Puedes cubrirlos a pie y aprovechar para comer en la zona.
  • Bloque Nuevo Polanco: Soumaya y Jumex. Están frente a frente; combina ambas visitas en una sola mañana o tarde.

Consejos prácticos para tu visita

  • Llega con tiempo: aunque son gratuitos, algunos recintos manejan aforos; fines de semana suelen tener mayor fila.
  • Verifica actividades del día: Estanquillo y Jumex suelen programar talleres y charlas; revisa en la entrada la agenda del día.
  • Reserva con anticipación el Banco de México: especialmente si te interesa entrar a la bóveda; sin registro, no podrás acceder a esa zona.
  • Evita cargar bultos grandes: en varios museos el guardarropa es limitado; lleva solo lo indispensable.
  • Respeta señalizaciones de fotografía: en ciertas salas hay restricciones o se pide no usar flash.

Otros museos gratuitos que valen la pena (por si quieres ampliar tu tour)

Si te queda tiempo, considera el Museo Archivo de la Fotografía (República de Guatemala 34, mar–sáb 10:00–18:00) para una dosis de cultura visual en el Centro; o el Complejo Cultural Los Pinos (mar–dom 11:00–18:00) para recorrer antiguos espacios presidenciales y exposiciones temporales.

La CDMX ofrece una agenda cultural robusta sin afectar el bolsillo. Con estos cinco recintos gratuitos y de alto nivel, puedes planear una jornada completa entre arte clásico, contemporáneo, patrimonio mundial y experiencias interactivas. Lleva calzado cómodo, considera pausas para hidratarte y disfruta de una ciudad que se vive, también, desde sus museos.

FUENTE: https://en.as.com/

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Ozzy Osbourne, cantante y líder de Black Sabbath, muere a los 76 años según reporta el periódico británico Daily Mirror, la familia de la estrella de rock informó que falleció «rodeado de amor»; el pasado mes de junio se despidió con un magno concierto.

A través de un comunicado la familia de Ozzy pidió privacidad en este difícil momento:

«Osbourne estaba con su familia y rodeado de amor. Pedimos a todos que respeten la privacidad de nuestra familia en este momento», agregó el comunicado.

A inicios de junio Ozzy se volvió a subir a los escenarios por última vez reuniendo a su banda pionera del heavy metal Black Sabbath en un macroconcierto en el estadio del Aston Villa en Birmigham, su ciudad natal, en el que no faltaron invitados como Guns N’ Roses o Metallica.

Decenas de miles seguidores metaleros se congregaron en el Villa Park, a solo metros de donde nació la banda en 1968, para despedirse de Osbourne, aquejado de diferentes problemas de salud, entre ellos el mal de Párkinson, desde hace años.

«Se está tan bien en este escenario. No tienen ni idea. Los quiero a todos», dijo un Osbourse sentado en un trono heavy.

Más adelante, un emocionado cantante reconoció que se ha quedado «fuera de juego durante seis años» por lo que «no pueden entender cómo sienta esto, gracias desde el fondo de mi corazón», dijo conmovido.

Los miembros originales de Black Sabbath -Tony Iommi, Terence “Geezer” Butler y Bill Ward- aparecieron los últimos en el concierto después del paso de una auténtica constelación del rock de las últimas décadas.

Entre los grupos que actuaron estuvieron Anthrax, Metallica y Guns N’Roses, y se proyectaron mensajes de agradecimiento de estrellas del espectáculo como Jack Black, Ricky Gervais y Dolly Parton.

Osbourne cantó cinco canciones de su carrera en solitario, coronadas por «Crazy Train», al final de la cual apareció Black Sabbath al completo para su primera reunión en 20 años que acabó con la interpretación de uno de sus mayores éxitos, «Paranoid».

¿Quién fue Ozzy Osbourne?

Osbourne cantó cinco canciones de su carrera en solitario, coronadas por «Crazy Train», al final de la cual apareció Black Sabbath al completo para su primera reunión en 20 años que acabó con la interpretación de uno de sus mayores éxitos, «Paranoid».

John Michael Osbourne, como era su nombre real, nació en Aston, Birmingham, Inglaterra el 3 de diciembre de 1948, fue el precursor del heavy metal, vocalista de Black Sabbath, que fue la inspiración de muchas bandas y con más de cinco décadas de trayectoria artística ha dejado un gran legado musical.

Ozzy nació en el seno de una familia de bajos recursos, su padre, John Thomas mejor conocido como Jack Osbourne trabajaba realizando jornadas nocturnas en la compañía General Electric, mientras que su madre Lillian, tenía que trabajar jornadas completas en una fábrica.

Desde muy pequeño padecía dislexia y una manera de distraerse de sus problemas fue el acercamiento a la música. A los 14 años de edad escuchó la canción “She Loves You” de The Beatles que lo inspiró a convertirse en un músico profesional.

Abandonando la escuela a los 15 años de edad, tomó el camino de la delincuencia y comenzó a robar, hecho que lo llevaría a pasar seis semanas en la prisión Winson Green de Birmingham, por no poder pagar la fianza.

Años más tarde el cantante fue invitado a la banda del músico Geezer Butler, con quien formó su primera agrupación llamada Rare Breed, el proyecto no funcionó y formaron otra banda llamada Earth junto al guitarrista Tony Iommi y el baterista Bill Ward, quienes para 1969 tomarían el nombre de Black Sabbath.

El éxito le llegó en 1970 cuando sus discos “Sabbath” y “Paranoid”, los cuales se lograron posicionar en las listas de popularidad y obtuvieron buenas ventas, después de eso tuvieron que pasar cinco años para que la banda lanzara el álbum llamado “Master of Reality” con el que lograron obtener un disco de oro por sus altas ventas, y posicionarse en el top 10 de Reino Unido y Estados Unidos.

Entre la algarabía del éxito y la fama, Ozzy contrajo nupcias en 1971 con Thelma Malfayr, con quien procreó dos hijos Jessica y Louis Osbourne, pero el alcoholismo drogadicción del cantante hizo que su matrimonio fuera un fracaso y se divorció diez años después. La mala experiencia vivida, hizo que su exesposa y sus dos hijos prefirieran llevar una vida tranquila y fuera del lente público.

Después del séptimo disco de la banda “Technical Ecstasy”, Ozzy decidió dejar Black Sabbath para enfocarse en su proyecto en solitario llamado Blizzard of Ozz, que no duró y regresó nuevamente a la banda.

A su regreso la relación entre los integrantes ya estaba deteriorada especialmente por el abuso de drogas y alcohol que Osbourne tenía, así que después de su álbum “Never Say Die!”, lanzado en 1978, el “Príncipe de las Tinieblas” fue expulsado de la banda.

El cantante hizo saber que en aquella época se encontraba en un gran estado de depresión, pero fue Sharon Arden, hija de Don Arden y dueño de Jet Records, quien lo convenció de seguir adelante y de que retomara su carrera musical, así que firmó con la compañía del padre de Sharon y contrajo matrimonio con ella en 1982.

Con Sharon tuvo tres hijos Aimee, Kelly Jack Osbourne, haciéndose cargo también del amigo de sus hijos Robert Marcato que quedó huérfano. Consolidando su matrimonio a lo largo de los años y llegando a convertirse como una de las parejas más ricas de Inglaterra, por la realización de muchos proyectos juntos.

Ozzy después de casi dos décadas, en donde sacó once álbumes de estudio como solista, y fundó en 1996 el Ozzfest junto a su esposa y su hijo Jack, en donde le dio la oportunidad a músicos desconocidos de hacer su debut en el festival y reunió a grandes bandas como Motörhead, System of a Down, Rob Zombie, Deftones, Marilyn Manson, Pantera, Slipknot, Papa Roach, Linkin Park, Disturbed, entre muchas más.

En el 2011 tras una larga separación, Black Sabbath se reunió nuevamente con todos los miembros originales, que a excepción del baterista Bill Ward, la banda lanzó un disco llamado “13” y emprendieron giras alrededor del mundo.

Durante el 2019 Osbourne fue hospitalizado debido a complicaciones de gripe, debido a que no deseaban que se complicara el problema y se convirtiera en neumonía, posponiendo así la etapa europea de su gira “No More Tours II”, que inició en el 2018.

Las ventas totales de los discos de Ozzy Osbourne, sumados a sus producciones con Black Sabbath, alcanzan las 100 millones de copias y es miembro del salón de la fama como parte de la banda y solista. Además tiene un estrella en la Calle de las Estrellas de Birmingham y en el Paseo de la Fama de Hollywood.

FUENTE: https://mvsnoticias.com/

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En “Bajo el signo de Saturno” se presentan las cartas astrales de Ramón López Velarde, Leonora Carrington y Jean Schuster. Esta última fue trazada por André Bretón, una sorpresa doblemente especial, si tomamos en cuenta que Schuster fue el último surrealista y Bretón el fundador del movimiento. Foto tomada del sitio https://www.gob.mx/cultura

A lo que más le tememos como humanidad es a lo desconocido. Para disminuir ese temor el arte y la adivinación han buscado respuestas más allá de la racionalidad. “Bajo el signo de Saturo” es el nombre de la exposición montada en el Munal que da cuenta de esas búsquedas.

En una noche oscura en un pueblito apartado, de las pocas cosas que alumbran el cielo y los senderos son las estrellas. Aquellas luces parecen revelar desde su lejanía secretos sobre la vida de los astros… y de las personas. Como es arriba, es abajo. Una forma de descifrarlos y saciar nuestra curiosidad es a través de las cartas astrales, una representación gráfica que muestra la posición de los cuerpos celestes en el momento de nuestro nacimiento. Se dice que las líneas que trazan determinan nuestro destino y nuestros rasgos de carácter.

En “Bajo el signo de Saturno” se presentan las cartas astrales de Ramón López Velarde, Leonora Carrington y Jean Schuster. Esta última fue trazada por André Bretón, una sorpresa doblemente especial, si tomamos en cuenta que Schuster fue el último surrealista y Bretón el fundador del movimiento. 

Otra de las preocupaciones que revela la muestra es la duda de saber cómo están nuestros muertos y cuál sería el mejor camino para contactarlos Una forma de hacerlo han sido las sesiones espiritistas que están muy bien representadas con fotografías de distintas épocas y por artistas como Leonora Carrington: en The Seance de 1998 cinco personas que pueden ser animales experimentan la presencia de familiares en forma de espectros intentando comunicarse con los vivos. 

La clarividencia, esa capacidad para comprender y discernir las cosas también está presente. Pero de entre todas las herramientas para acceder a lo desconocido, la más socorrida son las cartas del tarot. ¿Por qué? Los arcanos mayores distribuidos en las cartas son símbolos clásicos y universales: la muerte, el loco, la justicia, entre otros. Mientras los arcanos menores usan las figuras tradicionales de los naipes. Los viejos símbolos conocidos de unas y otros anuncian nuevos caminos. Se dice que en sus cambiantes posiciones producto del azar las cartas anticipan los días que vendrán. 

La expo muestra el mazo de cartas diseñado por Bretón. La representación de El loco es un personaje que bien pudo ser creado por Tim Burton, pero en realidad se trata de Ubú Rey, protagonista de la obra de teatro escrita por Alfred Jarry, precursora del surrealismo. 

Bajo el signo de Saturno también da cuenta del miedo más grande de todos: el terror cósmico. Algo que nos hace pensar en lo insignificante que somos ante la vastedad del universo. Lo representa un óleo estupendo de Rufino Tamayo y el grabado del “Libro de Fuego Ígneo”, una esfera con miles de estrellas centellantes interconectadas que podrían freírnos en cualquier instante y que imaginó el polímata Athanasius Kircher autor del enigmático “Ars Magna”. Parecería que esta búsqueda de lo desconocido nos hace ver que la vida no vale nada, pero al mismo tiempo que mientras estemos aquí, lo es todo. Pero ese todo que va más allá del raciocinio. También es emoción, sueños y misterio. Ese misterio que nos hace seguir buscando quiénes somos, qué hacemos aquí ya dónde vamos por caminos que no hemos explorado.

La exposición está conformada por más de 200 obras; entre pinturas, fotografías, esculturas y otros interesantes objetos que hablan sobre las tradiciones esotéricas como el espiritismo, la clarividencia, la astrología, la quiromancia y la cartomancia.

Destacan las obras de Eugenia Martínez, Pedro Friedeberg, Leonora Carrigton, Lola Álvarez Bravo, José Horna, Rufino Tamayo y Mathías Goeritz.

La muestra está dividida en cuatro partes, las cuales tratan, entre varias cosas, la invocación de los muertos, el movimiento espiritista que ocurrió en México durante el siglo XX, la clarividencia, la cartomancia y la quiromancia; pero también la astrología, la posición de los cuerpos celestes, el terror cósmico y la incertidumbre del futuro.

Si quieren visitar esta interesante, curiosa y linda muestra artística, tendrán hasta el próximo domingo 15 de febrero de 2026 en el Museo Nacional De Arte (MUNAL) para hacerlo. Sí, estará abierta a todo el público durante ocho meses, por lo que tendrán tiempo de sobra.

FUENTE: https://www.jornada.com.mx/noticia/2025/07/10/cultura/bajo-el-signo-de-saturno-un-viaje-mas-alla-de-la-razon

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Estas técnicas fotográficas sirven para aportar velocidad y expresividad a la imagen. Contribuyen a otorgarles un plus de significado y efectismo. Pero comencemos por su definición: “El paneo o barrido es una técnica empleada en fotografía para dar sensación de movimiento con el objeto de conseguir un fondo en movimiento y un sujeto congelado o a la inversa. El zooming se basa en estos mismos principios, pero el movimiento se consigue girando el zoom de la cámara. Todo ello se logra gracias a bajas velocidades de obturación”.

Toda imagen tiene un punto focal donde enfocas tu cámara. Todo lo que esté en el mismo plano estará siempre enfocado. Una poca profundidad de campo significa que todo lo que está fuera de este plano está desenfocado o borroso.

En términos sencillos, sólo una pequeña parte de la imagen es nítida. Si quieres que el sujeto sea nítido mientras que el fondo y el primer plano son suaves y borrosos, aprende a crear un DOF poco profundo.

Poco profunda, estrecha y pequeña profundidad de campo significan lo mismo y pueden utilizarse indistintamente.

Aquí te mostramos unas fotografías aplicando estas técnicas que nos comparte nuestro alumno de cuarto semestre de Comunicación Guillermo López Muñoz desde Denver Colorado.

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Por Fernanda Sánchez

La inclusión de comunidades históricamente marginadas en el cine contemporáneo ha generado un intenso debate social, evidenciando tanto avances como resistencias profundamente arraigadas. Este fenómeno pone en primer plano cuestiones de discriminación, racismo, intolerancia y la urgente necesidad de erradicar pensamientos excluyentes y en algunos casos, radicales.


La historia del cine está marcada por la exclusión y la representación estereotipada de minorías étnicas, raciales y de género. Aunque en la actualidad se observa un esfuerzo creciente por diversificar el reparto y las historias (como la aparición de personajes racializados o LGTBI en roles protagónicos), estas iniciativas suelen ser blanco de críticas y ataques en redes sociales, bajo la acusación de «inclusión forzada». La reacción negativa no solo se manifiesta en comentarios, sino también en campañas de odio dirigidas a actores y creadores, lo que evidencia la persistencia de prejuicios y actitudes racistas en una parte significativa de la sociedad.


El racismo, entendido como la creencia en la superioridad de un grupo sobre otro basada en características étnicas o raciales, sigue presente tanto en la industria como en la audiencia. Ejemplos recientes incluyen la controversia en películas como “La Sirenita”, protagonizada por Halle Bailey (de ascendencia afroamericana), donde la elección de esta actriz desató críticas y puso en evidencia el fenómeno del racismo, esto disfrazado por el argumento de la falta de parecido con la versión animada con su personaje.


En el caso de la representación de la discapacidad, por ejemplo, persisten barreras sociales y actitudes de rechazo, fundamentadas en el desconocimiento y el miedo a lo diferente. La integración, aunque ha avanzado, no siempre se traduce en una verdadera inclusión, ya que la sociedad sigue mostrando reticencias a aceptar plenamente a quienes no encajan en el ideal hegemónico. El ejemplo más reciente fue el la película “Blancanieves”, protagonizada por Rachel Zegler, en donde las críticas del público se establecieron alrededor de dos factores, la elección de la actriz (de ascendencia colombiana y polaca), que de nuevo era la falta de parecido con la versión animada de la princesa; y el segundo que el casting para los 7 enanos de la película se fue al otro extremo, donde la producción tenía la oportunidad de realmente incluir a actores con enanismo (generándoles una oportunidad laboral y de representación) y optaron por no hacerlo y en su lugar usaron CGI y tecnología de captura de movimiento, simulando digitalmente que los actores tenían enanismo, generando una percepción de capacitismo por parte de la producción.


El rechazo a la inclusión suele estar motivado por el miedo al cambio y la resistencia a perder privilegios simbólicos. Muchas personas perciben la presencia de nuevos rostros y narrativas como una amenaza a la identidad cultural tradicional o como una imposición ideológica. Además, los estereotipos y la falta de contacto real con la diversidad alimentan la intolerancia y dificultan la empatía hacia quienes han sido históricamente excluidos.


La representación auténtica y diversa en el cine es fundamental para combatir la discriminación y el racismo, y para promover una sociedad más justa e igualitaria. Ver en pantalla a personas de diferentes orígenes, géneros y capacidades no solo valida sus experiencias, sino que también fomenta la empatía y el entendimiento entre públicos diversos. El cine, como reflejo y motor de cambio social, tiene el poder de desafiar estereotipos, abrir conversaciones y sensibilizar sobre la importancia de la inclusión.
Erradicar los pensamientos excluyentes y radicales implica reconocer el valor de todas las historias y la necesidad de que todos los grupos tengan la oportunidad de verse representados de manera digna y compleja. La diversidad en el cine no es una amenaza, sino enriquecimiento del arte y la sociedad en su conjunto. 

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Por Fernanda Sánchez

El cine mexicano ha tenido momentos de brillantez y originalidad, pero en años recientes enfrenta una crítica constante: la falta de diversidad en sus historias y personajes, especialmente en el cine comercial. Aunque existen propuestas independientes y festivales que buscan abrir el panorama, la cartelera suele estar dominada por un mismo molde: comedias de enredos entre “mirreyes” y “godínez”, fórmulas probadas que aseguran taquilla pero limitan la pluralidad de voces y realidades representadas.

Películas como Mirreyes vs Godínez y La Rebelión de los Godínez han sido éxitos rotundos en taquilla, recaudando cifras históricas y atrayendo a millones de espectadores. Estas comedias explotan el choque de clases y estereotipos: los “mirreyes”, jóvenes privilegiados y frívolos, frente a los “godínez”, oficinistas de clase media que luchan por sobrevivir en la rutina laboral. El humor fácil, los personajes caricaturescos y las situaciones predecibles han creado un subgénero rentable, al punto que se habla de un “universo cinematográfico godín”.

La respuesta es sencilla: funciona. El público responde, las películas recuperan su inversión y los productores apuestan a lo seguro. Sin embargo, esta lógica comercial tiene un costo: la repetición de fórmulas deja fuera la complejidad y diversidad de la sociedad mexicana. Se privilegia una visión superficial de la realidad, donde los conflictos se resuelven en clave de comedia y los personajes rara vez salen de los estereotipos.

Aunque existen esfuerzos notables por ampliar la representación —con cineastas que abordan temas indígenas, de diversidad sexual o de género—, estas películas suelen quedar relegadas a circuitos alternativos o festivales. El cine mexicano de la disidencia sexual, por ejemplo, ha logrado avances importantes en la última década, pero su llegada al gran público sigue siendo limitada por problemas de distribución y falta de apoyo. Lo mismo ocurre con historias protagonizadas por mujeres, personas indígenas o comunidades afrodescendientes, que apenas empiezan a encontrar espacios para contar sus propias narrativas.

Como señala el informe de Imcine, la pluralidad existe, pero no se refleja en la cartelera comercial: “La estructura no está evaluando otras narrativas, existencias, cuerpos que salen en las imágenes que vemos en el cine. Estás dejando un grupo de personas no binarias, personas trans, etcétera”. La industria sigue privilegiando las historias que garantizan ventas, perpetuando así una visión limitada de lo que significa ser mexicano en el siglo XXI.

El cine mexicano necesita arriesgarse más. Si bien es comprensible que la industria busque la rentabilidad, el arte cinematográfico tiene una responsabilidad social: reflejar la complejidad y diversidad de su público. Seguir apostando al mismo molde de “mirreyes” y “godínez” es cómodo, pero empobrece la conversación cultural y deja fuera a millones de voces y experiencias. Es momento de abrir la pantalla a nuevas historias, personajes y realidades que enriquezcan el imaginario colectivo y permitan que todos los mexicanos se vean reflejados dignamente en el cine.

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Por Fernanda Sánchez

El cine contemporáneo sigue evolucionando, pero ciertos temas y tendencias se han consolidado como los más recurrentes y populares en los últimos años. A continuación, se exploran los tópicos que dominan la pantalla grande y las razones de su éxito.

Las secuelas y los universos cinematográficos preexistentes continúan dominando la taquilla mundial.

Películas como Dune: Parte Dos, las nuevas entregas de Marvel y DC, y sagas como Los Mercenarios o Saw X ejemplifican cómo los estudios apuestan por marcas ya consolidadas para asegurar el interés del público y la rentabilidad. Este fenómeno responde tanto a la demanda de los espectadores por historias conocidas como a la búsqueda de seguridad financiera por parte de los estudios.

A pesar del dominio de los grandes estudios, el cine de autor sigue ganando espacio, incluso en la carrera por los premios más importantes. Películas como Anora y Cerrar los ojos muestran que existe un público interesado en propuestas más personales y arriesgadas, capaces de equilibrar la visión artística con el atractivo comercial.

El género de terror ha experimentado un resurgimiento, con secuelas de clásicos como El Exorcista: Creyente y nuevas entregas del Warrenverso (La Monja II). El misterio también mantiene su atractivo, con adaptaciones de Agatha Christie y thrillers psicológicos que exploran los límites de la mente humana.

En los últimos años, se observa un esfuerzo creciente por incluir historias y personajes de diferentes orígenes y culturas. Películas como Blue Beetle, protagonizada por un superhéroe latino, reflejan esta tendencia hacia una mayor diversidad y representación en el cine comercial.

El cine reciente se caracteriza por la coexistencia de grandes franquicias, la revitalización de géneros clásicos, la exploración de temas universales y una apuesta por la diversidad y la autoría. Esta combinación permite que el séptimo arte siga siendo un reflejo dinámico de la sociedad y sus inquietudes.

Puede ser un gráfico de 3 personas y texto

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Esto fue algo de lo que pudimos observar en el tianguis de stickers, ¡no te lo pierdas!

Reportaje por: Sharon Quintero, María Fernanda Castaeda, Rafael Rayas y Efraín Quintero

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Por Diogo Alexis Flores

La exitosa comedia teatral “No seré feliz, pero tengo Marido” se presentará el próximo 30 de mayo en el Teatro Ocampo, prometiendo una noche de risas y reflexión para el público morelense.

Protagonizada por una destacada actriz del teatro nacional, esta obra, escrita por Viviana Gómez Thorpe, ha recorrido múltiples escenarios de México y Latinoamérica con gran éxito. La trama gira en torno a una mujer que, con humor e inteligencia, comparte sus experiencias dentro del matrimonio, cuestionando los mitos del amor romántico y la vida en pareja.

El montaje ofrece una mirada divertida pero profunda sobre las relaciones afectivas, el rol de la mujer en la sociedad y la búsqueda de la felicidad más allá de los convencionalismos. Con una mezcla de monólogo, comedia y confesión, la obra ha logrado conectar con el público gracias a su lenguaje directo y situaciones con las que muchos se identifican.

La función está programada para comenzar a las 8:00 p.m., y los boletos ya se encuentran a la venta en taquillas del teatro y plataformas en línea. Se recomienda al público adquirir sus entradas con anticipación, ya que se espera una alta demanda.

Este evento forma parte de la cartelera cultural que busca reactivar los espacios escénicos de la ciudad y acercar producciones de calidad al público local.

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Por Diogo Alexis Flores Leyva

La ciudad de la eterna primavera se prepara para una noche mágica con el espectáculo Candlelight: Tributo a Luis Miguel, un concierto íntimo que rinde homenaje al tan querido cantante mexicano, bajo la cálida luz de las velas el próximo 19 de julio.

El evento se llevará a cabo en el Centro Cultural Teopanzolco, un recinto que se ha consolidado como uno de los espacios culturales más importantes del estado. El concierto, tendrá aproximadamente 60 minutos de duración, promete transportar al público por un recorrido emocional con los grandes éxitos del llamado “Sol de México”, interpretados por un talentoso cuarteto de cuerdas (String Quartet).

El programa incluye temas legendarios como La Incondicional, Culpable o No, Tengo Todo Excepto a Ti, Ahora Te Puedes Marchar y Hasta Que Me Olvides, entre otras míticas canciones del repertorio romántico que han marcado generaciones.

Candlelight, reconocido por ofrecer experiencias musicales en ambientes envolventes iluminados por cientos de velas, busca transformar la forma en que el público vive la música clásica, pop y otros géneros. En esta ocasión, el homenaje a Luis Miguel une lo mejor de su legado con la elegancia de la música instrumental en vivo.

La entrada está permitida a partir de los 8 años y los menores de 16 deberán ir acompañados por un adulto. El recinto es accesible para personas con discapacidad y cuenta con estacionamiento, aunque de capacidad limitada.

Los boletos ya están disponibles en línea, con diferentes zonas de asientos que se asignarán conforme al orden de llegada. Debido a la alta demanda de estos eventos, se recomienda adquirir entradas con anticipación.

Para quienes buscan un regalo especial o una experiencia en grupo, también se ofrece la opción de tarjetas regalo y reservaciones privadas para más de 30 personas.

Una velada imperdible para los amantes de la buena música, la nostalgia y la elegancia.

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Por Roberto López Portillo Urban

Entre libros, saberes y voces que resisten, la Plaza de Armas “General Emiliano Zapata” se transformó esta semana en un punto de encuentro para la palabra y la memoria colectiva. La Feria del Libro Morelos 2025, que se celebra del 12 al 16 de marzo, dedicó esta edición a la mujer indígena y las mujeres en la lucha social, abriendo un espacio para el diálogo, la reflexión y el reconocimiento de las luchas históricas que han tejido el presente.

Con más de 50 actividades gratuitas, la feria incluyó presentaciones editoriales, conversatorios, cuentacuentos, lecturas en voz alta y expresiones artísticas. Entre los eventos más destacados estuvo la presentación del libro Cartas a las ancestras, de Ethel Krauze, una obra profundamente emotiva que rinde homenaje a las mujeres que abrieron caminos desde el silencio.

Otro momento importante fue el coloquio “Las mujeres en la Revolución Mexicana”, con la participación de historiadoras como Frida Varinia y Citlalli Sánchez, quienes reivindicaron el papel de las soldaderas y mujeres campesinas en los procesos revolucionarios, usualmente olvidadas en los relatos oficiales.

La feria también abrió espacio a editoriales independientes y cooperativas comunitarias, que ofrecieron títulos de poesía, literatura indígena contemporánea y pensamiento crítico, enriqueciendo la diversidad de voces presentes. Niñas, niños y adolescentes disfrutaron de talleres de encuadernación, fanzine y escritura creativa.

En un contexto donde la cultura a menudo queda relegada, eventos como este reafirman la necesidad de políticas públicas que promuevan el acceso a la lectura y la pluralidad cultural. La Feria del Libro Morelos 2025 no solo celebró a las letras, sino también a quienes las han usado como herramienta de resistencia.

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En pleno corazón del Centro Histórico, entre los muros antiguos de la calle Comonfort, late un rincón donde la lectura, la cultura y el arte encuentran su hogar: El Callejón del Libro.

Visitar el Callejón del Libro es una oportunidad para descubrir autores, regalar libros, conversar sobre ideas, y caminar entre arte, historia y letras.


Por Rafael Bahena

Desde hace varios años, esta iniciativa busca revitalizar el centro de Cuernavaca, llenándolo de expresiones culturales al alcance de todos. Con una misión clara de fomentar el hábito de la lectura, apoyar a escritores emergentes y dignificar el trabajo artesanal, el Callejón del Libro ha evolucionado hasta convertirse en una asociación civil independiente con gran impacto social.


Cada sábado y domingo, entre las 10 de la mañana y las 6 de la tarde, el Callejón se transforma en una feria literaria al aire libre. Allí se pueden encontrar obras de todos los géneros: novelas, cuentos, poesía, ensayo, biografías, revistas, libros infantiles y de divulgación científica, junto con discos de música, separadores, tazas ilustradas y accesorios con motivos culturales.


En una época marcada por la inmediatez digital y el consumo acelerado, el Callejón del Libro representa una apuesta por el comercio justo, humano y consciente. Apoyar estos espacios no solo promueve el acceso a la lectura, sino que fortalece a pequeñas editoriales, a autores independientes, a artesanos y a microempresarios que encuentran aquí un canal directo para ofrecer su trabajo sin intermediarios.
Así que la próxima vez que pases por el Centro Histórico, date un respiro entre adoquines, libros y pinceles. Porque apoyar la lectura también es una forma de resistir, de cuidar nuestra identidad y de construir una ciudad más viva, más sabia y mucho más nuestra.

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El Cine Morelos, joya arquitectónica y cultural en el corazón de Cuernavaca, resiste al paso del tiempo como un bastión del cine independiente y la memoria colectiva.

Por Rafael Bahena

En el corazón palpitante de Cuernavaca, sobre la emblemática Avenida Morelos 188, se erige un recinto que ha resistido al paso del tiempo, las modas y las plataformas digitales: el Cine Morelos. Este espacio no es solo una sala de proyección; es un símbolo de la identidad cultural de la ciudad, un guardián del patrimonio cinematográfico y artístico que merece ser reconocido y, sobre todo, visitado.


Lo que diferencia al Cine Morelos de cualquier otro recinto es su compromiso con el cine de calidad. En un mundo saturado por lo comercial, este espacio apuesta por el cine independiente, internacional, documental y, sobre todo, por el cine mexicano. Desde películas de Palestina y España hasta Argentina y Estados Unidos, su cartelera es una invitación constante a mirar el mundo con otros ojos.


Pero su importancia no es solo estética ni nostálgica. El Cine Morelos sigue siendo un punto de encuentro para las ideas, la reflexión y el diálogo. Cada función es una excusa para detenernos, mirar, cuestionar y comprender. En tiempos donde el entretenimiento se consume con un clic, espacios como este nos devuelven la experiencia colectiva del arte.


Es reconocer la importancia de los espacios públicos para el pensamiento crítico, es apoyar la cultura local, es mantener viva una tradición. Es, en definitiva, participar en una forma de arte que todavía tiene el poder de transformar.


Si estás en Cuernavaca o planeas visitarla, no dejes pasar la oportunidad de entrar a este templo cinematográfico. Quizás descubras una película que nunca olvidarás, o tal vez simplemente salgas con el corazón más lleno. Pero algo es seguro: saldrás distinto.

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Por María Fernanda, Sharon Alejandra, Rafael Rayas y Efraín Quintero

Desde su nombre, el Museo de Arte Erótico en Cuernavaca deja claro que no es un espacio convencional. Lo que encontrarás entre sus muros no lo verás en ningún otro museo de la ciudad, y esa es precisamente una de sus mayores virtudes: su capacidad para desafiar lo establecido. Este lugar se convierte en un refugio artístico para creadores que desean exponer sus obras sin temor a la censura, especialmente cuando abordan un tema que aún suele ser considerado tabú: el erotismo.

Ubicado en el interior de la casa de uno de sus fundadores, Juan Machin, el museo conserva una atmósfera íntima y discreta, ideal para explorar el arte desde una perspectiva más personal y libre de prejuicios, teniendo una dualidad —entre espacio público y residencia privada— implicando ciertas restricciones para preservar la privacidad del anfitrión. Esta elección de espacio no es casual: refuerza la conexión emocional y sensorial que las obras buscan provocar en quien las observa.

El recorrido incluye una amplia variedad de expresiones artísticas: pinturas, esculturas, dibujos, fotografías, piezas literarias y otras formas de creación que exploran el deseo, la sensualidad y el cuerpo. Cada obra refleja la mirada particular de su autor o autora sobre el erotismo, con aportaciones provenientes de distintos estados del país como Ciudad de México, Yucatán, Guerrero, Puebla y Oaxaca, así como de artistas internacionales.


Pero el museo no se limita a ser un espacio expositivo. También es un punto de encuentro para la comunidad artística y el público curioso, gracias a sus actividades complementarias. De manera periódica, se llevan a cabo proyecciones de cine, sesiones colectivas de dibujo y fotografía, presentaciones de libros, lecturas de poesía, danza en vivo, body paint y más. Todo ello se anuncia con anticipación a través de sus redes sociales (FB: Museo de Arte Erótico de Cuernavaca; IG:museoarteeroticocuerna).


Visitar este museo es una experiencia imperdible para quienes disfrutan de descubrir espacios culturales únicos y distintos. Una invitación abierta a mirar el arte desde otra óptica: sin filtros, sin prejuicios, y con la libertad de explorar aquello que, en muchos otros lugares, permanece oculto.

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El 3 y 4 de mayo se celebró la décima edición del Beerfest Morelos en Jardines de México.

Por Sharon Alejandra

Desde el 2014, Morelos ha sido anfitrión de unos de los eventos más concurridos y alegres del estado, el Beerfest. En este festival se une buena música en vivo y el amor de su público por las cervezas y la gastronomía.

El Beerfest Morelos surgió hace 10 años con la iniciativa de promover el consumo consciente de alcohol, así como también la cervecería artesanal mexicana, ofreciendo un punto de encuentro entre los productores locales y regionales de la famosa bebida e impulsando la economía.

Actualmente, el evento cuenta con alrededor de 50 cervecerías artesanales nacionales e internacionales como: Cervecería Cristo Rey, Cervecería Feroz, Once Maltas, Cervecería Hércules, Beer Against The Machine, Embajada de Holanda, entre otras.

Junto a las distintas propuestas de cervezas, las acompaña deliciosa gastronomía que cubre comidas mexicanas (tacos, cochinita, burritos, etc) o extranjeras (pizzas, hamburguesas, etc.) que los espectadores disfrutan a lo largo del evento.

Esta edición contó con 4 artistas principales: Molotov, Panteón Rococó, Kiny, and Alemán. Dichas presentaciones hacen de este festival diverso musicalmente así todos disfrutan de un fin de semana lleno de buena comida, música y bebidas.

El Beerfest siempre llega en buen momento, cuando el calor y las casi vacaciones se acercan haciendo de este evento único para cada uno de sus visitantes ¡Disfruta conscientemente de cada edición del Beerfest!

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Por Guillermo López Muñoz

Cuernavaca, Mor. – El próximo sábado 11 de mayo, los amantes del cine y la música sinfónica podrán disfrutar de una experiencia única en el Teatro Ocampo: un concierto en vivo de la Orquesta Sinfónica, alineado perfectamente con la proyección de la aclamada película Interestelar.

Esta función especial, que comenzará a las 5:00 p.m. en punto, promete emocionar al público al revivir cada escena del filme con la fuerza y sensibilidad de una orquesta tocando la banda sonora original en tiempo real. Todo por un costo general de $300 pesos, accesible para estudiantes, jóvenes y cinéfilos locales.

El evento se presenta en una única función, lo que lo convierte en una oportunidad imperdible para quienes buscan actividades culturales diferentes en la ciudad. La mezcla entre ciencia ficción, arte sonoro y cine de alto nivel hará que los asistentes vivan una experiencia multisensorial difícil de olvidar.

 Esta presentación no solo honra la música del galardonado compositor Hans Zimmer, sino que también fomenta la cultura cinematográfica y musical en Cuernavaca. Buscando acercar a las nuevas generaciones especialmente al público joven de entre 17 y 30 años a espectáculos de alta calidad artística que nutran el alma y despierten la imaginación.

Así que ya lo sabes: si vives en Cuernavaca o sus alrededores y eres fan del cine, la música o simplemente buscas una tarde distinta y llena de emociones, Interestelar en Vivo es el plan perfecto.

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El CCT une la cultura indígena junto a la contemporánea en su planificada arquitectura

Fotografía por Danya OC, bajo licencia Creative Commons BY-SA 4.0

Por Sharon Alejandra.

En Cuernavaca, Morelos, se encuentra un lugar donde el arte nacional, internacional y el bienestar se juntan para brindar experiencias únicas y relajantes a su público, el Centro Cultural Teopanzolco (CCT).

El CCT en un destacado sitio cultural que, desde su inauguración en el 2017, ha recibido diversos personajes de diferentes partes del mundo, cuyos eventos se basan en una expresión artística única para aquellos quienes desean pasar un día fuera de la rutina.

Las diferentes actividades multidisciplinarias en este centro hacen de su espacio un lugar para disfrutar desde puestas en escena hasta una meditación guiada, teniendo diferentes ambientes para cada tipo de actividad.

Aunque muchas de estas actividades tienen un costo, como obras de teatro, se puede disfrutar de eventos como cine al aire libre o clases de yoga de manera comunitaria.

El Centro Cultural Teopanzolco cuenta con 4 espacios adecuados para las actividades correspondientes en cada lugar: la sala principal, el lobby, el foro mirador y el black box las cuales tienen capacidades de 100 personas o más.

Su arquitectura es una pieza fundamental para el CCT, homenajea a la cultura prehispánica y tiene figuras geométricas que llaman particularmente la atención, se acopla con la zona arqueológica del lugar donde se construyó.

Los horarios de son de martes a domingo desde las 8 de la mañana hasta las 6 de la tarde (cambia dependiendo las actividades) y su horario de taquilla de martes a sábado de 11 de la mañana a 6 de la tarde.

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Su cámara lleva más de 40 años contando historias de fiesta y tradición

No te pierdas este interesante reportaje de: Guillermo López, Diogo Flores, Roberto Portillo y Paulina Nava

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El primer domingo de cada mes se realiza el Bazar Rockultural El Chopito Cuernavaca en el Teatro Olimpia

Por Diogo Flores Leyva, Roberto López Portillo, Paulina Nava y Guillermo López

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